Il periodo romantico della musica

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Il periodo romantico della musica
Il periodo romantico della musica

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Ma, come sai, la “R” maiuscola nella musica romantica sono opere composte in stile romantico, sorte durante il periodo romantico.

cosa caratterizza la musica del periodo romantico? Come si è evoluto? 

Breve descrizione di cosa sia la musica dell’era romantica

Fondamentalmente, i compositori dell’era romantica vedevano la musica come un mezzo di espressione individuale ed emotiva. In effetti, consideravano la musica la forma d’arte più capace di esprimere l’intera gamma delle emozioni umane. Di conseguenza, i compositori romantici hanno ampliato la portata del contenuto emotivo. Ci si aspettava che la musica comunicasse al pubblico, spesso utilizzando una forma narrativa che raccontasse storie distinte.

I compositori romantici davano la priorità al contenuto emotivo o narrativo della musica rispetto alla sua forma, motivo per cui hanno infranto così tante regole dei compositori classici. I compositori romantici non hanno rifiutato o rotto con il linguaggio musicale sviluppato durante il periodo classico. Usavano le sue forme come base per il loro lavoro, ma si sentivano liberi da loro.

Beethoven è l’ideatore di questo approccio. Ha vissuto e lavorato durante il passaggio dal periodo classico al periodo romantico ed è stato fonte di ispirazione per i compositori romantici che sono venuti dopo di lui.

Alla fine, i compositori romantici si sarebbero evoluti ed avrebbero ampliato la struttura classica formalista in un linguaggio musicale più complesso e ricco.

Origini e contesto del periodo romantico

La musica era un po’ in ritardo per la festa del periodo romantico. Gli storici discutono sulle date di inizio e fine del periodo romantico. Alcuni lo datano al XIX secolo, mentre altri lo collocano alla fine del XVIII secolo. Questo è vero per la letteratura romantica. Opere come Songs of Innocence (1789) di William Blake e Kubla Khan (1797) di Samuel Coleridge sono considerate esempi della prima poesia romantica. L’era romantica ha fatto il suo passo a metà del 1800, comprendendo tutte le arti e il pensiero popolare dell’epoca.

L’enfasi romantica sull’autoespressione individuale è nata dalle idee politiche dell’individualismo nate durante l’età dell’Illuminismo. Tuttavia, i romantici respinsero l’enfasi di quell’epoca sulla logica e la razionalità. Queste idee erano tanto vincolanti quanto le regole riguardanti le forme di musica classica.

Si ribellarono anche ai segni distintivi della Rivoluzione industriale, come la meccanizzazione, la produzione di massa e l’urbanizzazione, che erano visti come contrari alla loro visione di uno stato dell’essere idealizzato e naturale.

Gran parte dell’arte dell’era romantica, inclusa la musica, rifletteva anche la tensione e il nazionalismo della guerra e della rivoluzione che hanno attraversato l’Europa dalla Rivoluzione francese (1789) attraverso le rivoluzioni di metà secolo e fino alle unificazioni nazionali negli anni ’70 dell’Ottocento.

Ne sono un esempio la scultura La partenza dei volontari sulla facciata dell’Arco di Trionfo di Parigi, che allude ai soldati sia della Rivoluzione francese che delle guerre napoleoniche; e i dipinti del pittore spagnolo Francisco Goya raffiguranti la resistenza spagnola a Napoleone.

Quattro principali ispirazioni artistiche della musica dell’era romantica

  • Trasmettere stati emotivi estremi, siano essi autobiografici, tratti da un personaggio o una situazione letteraria o semplicemente una rappresentazione dell’essere umano;
  • Esplorare la natura, in particolare i suoi aspetti più selvaggi, come usare tecniche musicali per imitare i suoni delle tempeste o evocare l’atmosfera di una foresta densa e misteriosa;
  • Fascino per il soprannaturale come reazione ai progressi scientifici , che demistificava le vecchie credenze e creava incertezza su dove la scienza potesse portare l’umanità;
  • Incorporare musica o storie popolari come mezzo per proclamare o rivendicare l’orgoglio nazionale;

Questi quattro temi non sono chiaramente delineati, poiché puoi trovarne molti o tutti incorporati in un’unica opera. Uno dei modi in cui i compositori romantici lo facevano era scrivendo pezzi ispirati alla letteratura. Questo metodo ha dato una composizione con una cornice sia narrativa che emotiva per il compositore.

L’ascesa del virtuoso musicale

Un’ultima, ma critica, ispirazione artistica sviluppata in epoca romantica non è tematica, ma molto personale: il compositore come artista e virtuoso. I compositori romantici erano spesso più che semplici compositori. Probabilmente erano anche esecutori e/o direttori d’orchestra. Il virtuoso aveva sia una straordinaria competenza tecnica che un plauso diffuso. Paganini, Liszt e Brahms sono tutti eccellenti esempi del virtuoso romantico.

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Le origini del virtuoso musicale sono sia artistiche che pratiche. Il romanticismo riguarda l’espressione di sé, in particolare attraverso l’espressione di sé di un artista. Così, i compositori romantici si sentivano liberi di forzare e distorcere le forme musicali classiche in modi sempre più personali. Oggi lo chiamiamo “branding”. Eppure, anche allora, i compositori romantici stavano cercando un modo per sviluppare la loro voce attraverso la loro musica, uno che fosse riconoscibile per il pubblico.

I compositori dell’epoca avevano più libertà creativa e personale perché non lavoravano più sotto il sistema di mecenatismo nobiliare che definiva l’età barocca e classica. Compositori e musicisti non lavoravano più al piacere di un duca o di un principe. La rivoluzione industriale ha portato a un boom demografico e molte persone vivevano nelle città in crescita.

Si sviluppò un’ampia classe media che aveva un po’ di reddito disponibile e tempo per apprezzare le arti. Gli artisti hanno seguito la gente, esibendosi in festival e altri concerti pubblici. I centri d’arte si erano spostati dai castelli di campagna alle città. In breve, i compositori romantici potevano trovare successo popolare e finanziario componendo opere gradite al pubblico. 

Come la musica dell’era romantica si è separata dalla musica classica

Il linguaggio della musica dell’era romantica non ha rotto tanto con i suoi predecessori classici quanto ha ampliato il suo vocabolario e si è sentito libero di ignorare il formalismo classico. Ad esempio, L’ Incompiuto di Schubert non si limita al tradizionale fraseggio di otto battute.

Né i compositori si sentivano obbligati a limitare l’esplorazione di un’opera di chiavi diverse, come evidenziato nella Sinfonia n. 2 di Mahler.

Oltre a infrangere le regole esistenti, i compositori romantici hanno anche sviluppato nuove tecniche o rinvigorito quelle meno utilizzate per esprimere una gamma più ampia di stati emotivi e narrativi. Hanno usato melodie più estese, gamme più ampie di tono, altezza e tempo – armonie più sofisticate. Alcune innovazioni chiave dell’era romantica includono:

Le armonie cromatiche facevano maggiore uso di semitoni e insolite progressioni di accordi

Melodie associate a un riferimento esterno, come un personaggio o un’emozione che viene espressa. Wagner ha aperto la strada a questa idea con il leitmotiv. Non fare affidamento sulla cadenza per risolvere un passaggio, ma consentire una “melodia senza fine”.

Uso del rubato, regolazione del tempo per riflettere il livello di intensità emotiva che la musica dovrebbe trasmettere in quel momento.
Tempi aumentati e ritmi complicati che richiedevano straordinaria precisione e abilità tecnica per essere eseguiti.

Maggior utilizzo di tecniche come sul ponticello (inchinarsi vicino al ponte) e sul tasto (inchinarsi vicino alla tastiera)

I compositori romantici hanno approfittato di una varietà di innovazioni meccaniche per esplorare dinamiche e toni più ricchi. In particolare, miglioramenti nella costruzione strumentale, nonché la creazione di nuovi strumenti. La più ampia gamma e il miglioramento degli strumenti hanno permesso ai compositori romantici di esprimere gradazioni più precise di volume e tono.

Ciò includeva crescendo e diminuendo più lunghi e impennati. Ha anche permesso loro di fare maggiori salti di tono e volume, creando una nuova sorta di discordanza.

Cambiamenti negli strumenti durante il periodo romantico

Il pianoforte si è notevolmente evoluto durante il periodo romantico. Ad esempio, il numero di tasti fisici è aumentato da cinque a otto ottave. I materiali utilizzati per costruire i telai dei pianoforti sono passati dal legno al metallo e la durata del metallo utilizzato per fabbricare le corde è migliorata. Questi miglioramenti hanno arricchito la gamma di tonalità e la qualità tonale del pianoforte.

Allo stesso modo, anche i materiali utilizzati per costruire gli strumenti a fiato migliorarono e ampliarono la loro qualità e variabilità musicale. Anche le innovazioni, come lo sviluppo della valvola per gli ottoni, hanno contribuito a una più abbondante varietà di suoni. Così come l’invenzione di strumenti completamente nuovi, come la tuba wagneriana.

Tuttavia, uno dei cambiamenti più significativi alla strumentazione durante l’era romantica non era la natura degli strumenti individualmente, ma i cambiamenti nella strumentazione delle opere.

Modifiche all’orchestra durante il periodo romantico

Un mezzo fondamentale per espandere l’espressività della musica – principalmente attraverso il colore tonale, dinamiche più ampie e armonie più ricche – era l’aumento del numero di strumenti necessari per eseguire la composizione. Un esempio estremo di ciò è la Sinfonia n. 8 di Mahler in mi bemolle maggiore (Sinfonia dei mille) , che richiede due cori e 120 musicisti, tra cui oltre 70 musicisti d’archi.

Le orchestre dell’era classica avevano in genere circa 30 musicisti. L’orchestra ha continuato a crescere ed evolversi durante il periodo romantico, stabilendosi nell’orchestra che conosciamo oggi.

le sezioni dei fiati e degli ottoni sono cresciute grazie all’aggiunta di una varietà di strumenti, come l’ottavino e il controfagotto, che hanno entrambi ampliato notevolmente la gamma tonale della musica. La sezione percussioni ha visto anche l’aggiunta di numerosi strumenti, dalla grancassa al triangolo.

Anche la sezione degli archi è stata ampliata. Rimase composto dagli stessi quattro strumenti: violino, viola, violoncello e contrabbasso. Tuttavia, il numero di ogni strumento a corda è aumentato. Aumentare il numero di stringhe consentite per la creazione di più sottoinsiemi all’interno della sezione stringhe. I compositori romantici userebbero diverse configurazioni di piccoli gruppi di archi per approfondire la trama e i contrasti all’interno di un’opera.

Un’altra innovazione orchestrale del periodo era l’uso intermittente di strumenti non tradizionali. Diciamo, i cannoni necessari per l’ Ouverture del 1812 di Ciajkovskij come esempio estremo.

Era necessaria un’orchestra ampliata per eseguire le sinfonie più lunghe e drammatiche dell’era romantica. Mentre la sinfonia esplose a nuova intensità durante questo periodo, il periodo è notevole anche per i compositori che creano una varietà di tipi di opere “in miniatura”.

Cambiamenti nelle forme musicali durante il periodo romantico

Abbiamo visto che le strutture classiche formali, come comporre sinfonie con solo quattro movimenti, sono state messe da parte dai compositori romantici. Hanno anche composto opere a movimento unico in una varietà di forme distinte:

Lo studio era una breve composizione destinata sia a mostrare l’abilità del virtuosismo sia come esercizio di formazione per gli studenti. I 24 Capricci per violino solo di Paganini rientrano in questa categoria, così come molte delle opere di Chopin per pianoforte.

Il preludio, utilizzato in epoche precedenti per introdurre un’opera più completa, è stato composto come opera a sé stante. I compositori romantici hanno fatto lo stesso con l’ouverture, come Romeo e Giulietta di Tchaikovsky.

L’improvvisato era un breve pezzo pensato per suonare come se fosse stato improvvisato in quel momento. In quanto tali, gli estemporanei erano in genere opere di singoli strumenti. La maggior parte degli estemporanei sono stati scritti per il pianoforte, ma possono essere arrangiati per strumenti a corda.

C’erano anche molti formati provenienti dalla musica nazionale o popolare, come il lied tedesco, la polonaise e la mazurka polacca e il valzer viennese.

Un altro importante sottogenere della composizione romantica aveva lo scopo di raccontare una storia specifica o dipingere una scena particolare: la musica del programma, che può essere un singolo movimento o può avere più movimenti.

Ascesa e portata della musica a programma nel periodo romantico

La musica a programma è musica che racconta una storia discreta. Potrebbe essere una storia della vita del compositore o della sua immaginazione. La sinfonia fantastica di Berlioz: un episodio nella vita di un artista, in cinque parti, era il racconto dettagliato dell’amore non corrisposto del compositore per una famosa attrice dell’epoca. Ogni movimento è denominato:

  1. passioni;
  2. Una palla;
  3. Scena nei campi;
  4. Marcia al patibolo;
  5. Sogno di una notte di sabato.

Come si evince dai nomi dei movimenti, l’arco di questa storia non va bene per l’artista. Berlioz ha distribuito programmi durante gli spettacoli per spiegare la storia.

In altri casi, la storia è stata presa dalla letteratura, dalla mitologia o dal folklore locale. Dvorák s’ The Golden Spinning Wheel è un lavoro basato su una poesia ceco che racconta la storia d’amore condannato e le donne assassine.

Il presupposto della musica a programma è che deve avere note di programma da condividere con il pubblico e spiegare il lavoro. Questo potrebbe essere stato vero quando ha guadagnato la sua massima popolarità durante il periodo romantico, ma distribuire note non è la caratteristica distintiva della musica a programma. In parte perché la musica a programma non doveva raccontare una storia narrativa, ma poteva essere usata per evocare lo spirito di un tempo o di un luogo.

Il poema sinfonico o sinfonico, una forma popolare di musica a programma dell’era romantica, aveva lo scopo di dipingere una scena in cui trasporta l’ascoltatore, che può essere o meno una storia narrativa. Ad esempio, Sibelius compose numerosi poemi sinfonici dell’antica mitologia finlandese, ma ne compose altri destinati a invocare lo spirito del suo paese e ispirare il patriottismo, come Finlandia.

Pertanto, i poemi sinfonici dell’era romantica abbracciano l’intera gamma dell’ispirazione dell’era romantica, dalla condivisione di intensi viaggi emotivi, al racconto di storie della mitologia greca o della letteratura europea, all’esplorazione di ambientazioni fantastiche (sia naturali che soprannaturali) e come odi a un paese o a una cultura. 

Espressione nazionalista nella musica del periodo romantico

Finlandia di Sibelius è un esempio di palese nazionalismo nella musica romantica. In alcuni casi, l’opera non era intesa come una canzone patriottica di per sé, ma attingeva esplicitamente alle tradizioni musicali popolari che il compositore voleva evidenziare. Durante l’era classica, che dava la priorità all’universalità di forme logiche e rigorose, inclusi ceppi di canzoni popolari nella musica composta per i nobili, sarebbe stata vista come provinciale, nella migliore delle ipotesi.

Tuttavia, l’espressione di sé popolare durante il periodo romantico spesso si manifestava come amore patriottico per le tradizioni locali in tempo di guerra. Le Rapsodie Ungheresi di Liszt esemplificano questo approccio.

Non era necessario essere di una particolare nazione o etnia per includere la sua musica in nuove opere. Il protestante tedesco Brahms si rivolse ai violinisti ebrei ungheresi per esplorare i temi ungheresi che usava nelle sue danze ungheresi. Dvorak è stato assunto come direttore musicale del National Conservatory of Music of America, in parte per sviluppare un linguaggio musicale classico americano basato sulla musica popolare americana. Il risultato fu la sua New World Symphony .

L’approccio di utilizzare terre estranee al compositore come ispirazione era simile alla tendenza nazionalista e chiamato “esotismo”. La distinzione tra esotismo e nazionalismo potrebbe diventare sfocata. L’Aida di Verdi, una storia ambientata in Egitto, è stata commissionata dalla Royal Opera del Cairo. La Turandot di Puccini, basata su una commedia dell’arte scritta nel XVIII secolo, è stata ambientata in Cina.

Il Romanticismo si evolve verso la sua logica conclusione: Post-Romanticismo

Come fondamento delle idee artistiche romantiche c’era l’espressione personale e la violazione delle regole. Non sorprende che lo stile musicale abbia continuato ad evolversi in modi significativi e, verso la fine del XIX secolo, i compositori stavano diventando più astratti riguardo all’atmosfera e ai sentimenti che volevano esprimere – una forma musicale di Impressionismo.

Stavano anche iniziando a infrangere le “regole” dei romantici tornando a forme classiche ispirate ai temi romantici popolari del misticismo e del grottesco. Mahler è un ottimo esempio di compositore che fa da ponte tra l’era romantica e quella post-romantica. Alla fine, la violazione delle regole introdotta dai romantici si è evoluta nei modernisti e nei post-modernisti, come John Cage, che sembra aver rifiutato del tutto l’idea di regole estetiche.

Non c’è da meravigliarsi se la musica del periodo romantico, con la sua espressività e la propensione a raccontare storie drammatiche, rimane una delle epoche più popolari della musica classica.